Estetiken erkändes som en självständig och grundläggande kategori för systemet för estetisk kunskap under andra hälften av 1900-talet. Dessförinnan förutsåg utvecklingen av estetikens huvudkategori - skönhet - med några av dess aspekter "utseendet" inom vetenskapen av termen "estetisk" och dess teoretiska medvetenhet. Det senare förutsätter förståelse för det estetiskas natur, föremålet för estetisk attityd, den mänskliga aktivitetens roll i det estetiskas existens, sambandet mellan det estetiska och det nyttiga. Vetenskapen har erbjudit olika svar på dessa frågor, som har utvecklats till fem teoretiska modeller för det estetiska. De skönhetsbegrepp som lagts fram i det estetiska tänkandets historia, på ett eller annat sätt, dras mot en av dessa teoretiska modeller för det estetiska. De olika begreppen skönhet kan reduceras till fem modeller. Den första modellen är objektiv-andlig - resultatet av Guds spiritualisering av världen eller en absolut idé. Denna modell motsvarar helt den första skönhetsmodellen - Guds ljus på specifika saker och fenomen (Tertullianus, Thomas av Aquino, Franciskus av Assisi) eller förkroppsligandet av en absolut idé (Platon, Hegel). Det är lätt att förklara de vackra, sublima och andra positiva estetiska egenskaperna med gudomlig spiritualisering, men det är svårt att förklara det fula, basala och fruktansvärda. Men med en viss flexibilitet i sinnet kan Gud förklara en blomma, en apa, himlens blå, skönhet och i allmänhet allt i världen, vilket inte betyder något speciellt och för varje fenomen måste man leta efter sin egen förklaring . Konceptet om det estetiskas gudomliga natur (som om det för medvetandet som accepterar Gud finns något av icke-gudomlig natur) bryter mot den vetenskapliga förklaringen av fenomen baserat på deras egen natur(Spinozas princip "causa sui" - på grund av sig själv).

Den andra modellen - subjektiv-andlig, eller personalistisk - är en projektion av individens andliga rikedom på estetiskt neutral verklighet. Denna modell motsvarar den andra skönhetsmodellen: verkligheten är estetiskt neutral, källan till dess skönhet finns i individens själ (T. Lipps, S. Lalo, E. Maiman), skönhet uppstår genom "avsmalnande", "låning". ” (Jean Paul), ”känsla” (B. Croce), ”projektion” (N. Hartmann) av en persons andliga rikedom på verkligheten; skönhet är resultatet av subjektets avsiktliga (riktade, aktiva) uppfattning av ett objekt (fenomenologi: F. Brentano, A. Meinong, etc.). I detta koncept går kriteriet för att bedöma estetiskt värde förlorat, och voluntarism invaderar estetiken.

Den tredje modellen – subjektivt-objektiv – uppstår på grund av enheten mellan verklighetens och den mänskliga andens egenskaper. Denna modell motsvarar den tredje skönhetsmodellen: skönhet är resultatet av att korrelera livets egenskaper med en person som ett mått på skönhet (Aristoteles), eller med hans praktiska behov (Sokrates), eller med hans idéer om ett vackert liv ( N. G. Chernyshevsky). Med denna tolkning uppstår en dualitet av grunder (liv/person) av både det estetiska och det vackra och frivilligheten i estetiska bedömningar och bedömningar elimineras inte. Denna modell erkändes som korrekt av många sovjetiska marxistiska ideologer (V. Ermilov, M. Kagan) eftersom den utvecklades av Chernyshevsky, som var särskilt nära marxismen

Den fjärde modellen är "naturlig" eller "materialistisk", enligt vilken det estetiska är en naturlig egenskap hos föremål. Denna modell motsvarar helt den fjärde skönhetsmodellen: skönhet är en naturlig egenskap hos naturfenomen, samma sak som vikt, färg, symmetri, form (D. Diderot och andra franska materialister). Under många år inom den sovjetiska vetenskapen dominerade, tillsammans med den tredje modellen, även den fjärde modellen (M. Ovsyannikov), som tolkade allt på ett vulgärt materialistiskt sätt. Men om det estetiska är samma egenskap hos naturen som dess fysikaliska och kemiska egenskaper, varför studerar då inte naturvetenskaperna det?

De estetiska egenskaperna hos ett föremål kan mätas med hjälp av smak, ett instrument som skiljer sig fundamentalt från instrument som mäter föremåls fysiska egenskaper. Den naturalistiska förståelsen av det estetiska, liksom den fjärde skönhetsmodellen, berövar estetiken monismen, eftersom den inte kan förklara estetikens alla grundläggande kategorier. Det vackra och sublima framstår som naturliga egenskaper, och det tragiska och komiska - som sociala (resultatet av sociala motsättningar). Det naturalistiska konceptet kan inte förklara det estetiskas väsen inom det sociala livets och konstens sfär.

Den femte modellen är ett "socialt" koncept, enligt vilket estetik är en objektiv egenskap hos fenomen, betingad av deras korrelation med mänsklighetens liv (universellt betydelsefulla i fenomen). Det estetiska framträder tack vare människors aktivitet, drar allt i världen in i sfären av mänskliga intressen och placerar allt i vissa relationer med mänskligheten. Estetik är en mångfaldig verklighet, tagen i dess betydelse för mänskligheten som art, universella mänskliga värden som är betydelsefulla för mänskligheten som art. Graden av samhällets behärskning av ett fenomen i ljuset av individens högsta förmågor för ett givet skede av historisk utveckling bestämmer graden av hans frihet i förhållande till detta fenomen. Den femte modellen utvecklades av L. N. Stolovich, Yu B. Borev, V. V. Vanslov på 1950-1960-talet.

Denna modell möjliggör en monistisk och systematisk tolkning av alla estetiska problem, enligt vilken skönhet är det positiva värdet av ett objekt för mänskligheten och frihetssfären; ful - det negativa värdet av ett objekt för mänskligheten och frihetssfären; det sublima - det positiva värdet av ett objekt för mänskligheten och ofrihetens sfär; bas - det negativa värdet av ett objekt för mänskligheten och ofrihetssfären; tragiskt - individens positiva värde för mänskligheten och hans fria val av vägen som leder till ofrihet och död i namn av att utvidga frihetssfären för mänskligheten.

Analys av estetiska problem. I modern tid är det tillrådligt att börja med den klassiska realismens estetik, som är direkt relaterad till hela den tidigare klassiska traditionen i dess syn på mysteriernas natur och syfte och dess plats i det offentliga livet. Den klassiska realismens estetik utvecklades på 20-50-talet av 1800-talet i länder. Western och. Östra. Europa, som fick ledande betydelse under denna period och behöll sin segling fram till mitten av 1900-talet. Samtidigt uppstod irrationalismens estetik och började få fäste. På 30-talet av samma århundrade grundades positivismens estetik med en rad av dess grenar.

Begreppet "klassisk realism" dök upp under första hälften av 1800-talet i förhållande till konst och estetik, som använde de bästa exemplen på estetik från tidigare epoker och nådde filosofiska djup i förståelsen av det sociala livet, personlighetspsykologin, ursprunget till mänskliga relationer och mönster för deras manifestation. Den klassiska realismens estetik är inte bara ett stadium av realismens mognad, utan fenomenet med den estetiska teorins medvetenhet om lagen i det offentliga livet, förhållandet mellan individen och samhället, det mänskliga mentala livets lagar. På 1900-talet etablerades begreppet "kritisk realism" i riktningen. Det senare namnet begränsar dock konstens estetiska inriktningar, som utvecklar världen mänskligt liv ojämförligt bredare än den negativa principen tillåter. Klassisk estetik är en filosofi om konstnärlig kreativitet som analyserar livets lagar utifrån... Zdob ankor sociala och humaniora. Den klassiska realismens estetik, som definierar dess principer på detta sätt, noterar samband med den ledande inriktningen av estetisk teori under hela dess historia. Efter denna tradition, började i antiken och expanderade under eran. Renässans och. Upplysningen, i den tyska klassiska estetiken, fördjupar den klassiska realismen synen på den mänskliga naturen och konstens betydelse i det offentliga livet, medan den klassiska realismens estetik berövas pedagogiska illusioner om människans naturliga dygd och möjligheten av rent pedagogiska medel att övervinna. social ondska och förbättra socialt liv. Klassisk realism fördjupar begreppet verklighet och betraktar det som en manifestation av det naturliga i sociala relationer, och begränsar sig inte till att bara förstå verkligheten som intersociala relationer mellan människor och oavsiktliga karaktärskonflikter. En enorm prestation av riktningen är intresset för individens inre värld, vilket leder till psykologism av konstnärlig kreativitet.

Som en estetisk rörelse blev och utvecklades den klassiska realismen under inflytande av det sociala livets motsättningar. Han fokuserade på analysen av mönstren för relationer mellan individen och samhället och relationen mellan en person och sig själv under förhållanden av förstörelse av livets integritet. Den kombinerar en vetenskaplig analys av sociala relationer med kravet på konstnärlig övertygelse för att skildra livets motsättningar. Det är legitimt att betrakta den klassiska realismens estetiska teori och konstnärliga praktik som medveten historicism. Idéer spelade en betydande roll i att bestämma formuleringen av nya estetiska principer för att koppla konst med verkligheten. I. Kant om människor som konstens huvudämne, om konsten som en manifestation av kreativitetens frihet; idéer. G. Hegel angående historiciteten av den konstnärliga processen och den naturliga karaktären av reflektionen av bildandet av mänsklighetens ande i form av konstnärligt vackra ting. Idén hade ett betydande inflytande på utformningen av den nya konstens estetiska principer. F. Schiller om två typer av konstnärskap, som definierades i begreppen "verklig" och "ideal". Humanism är den dominerande trenden inom estetik och konstnärlig praktik, och den konstnärliga praktiken direkt.

Den klassiska realismens estetik uppstod på två sätt. För det första definierades dess idéer i artiklar av konstnärer, som formulerade konstens grundläggande principer på grundval av deras egen erfarenhet av att förstå lagarna för konstnärlig kreativitet, och för det andra i estetisk teori, som skapades under inflytande av revolutionära idéer. demokrati och vetenskaplig socialism. Det räcker med att säga att de enastående konstnärliga begåvningarna som personifierade folkens nationella anda och talesmän för dess ideal var representanter för den klassiska realismen. Syntesen av filosofisk reflektion över existens och konstnärligt bildspråk, förkroppsligandet av estetik, förekommer också i konstens språk - karakteristiska drag i konsten av klassisk realism redan under bildandet av denna riktning, särskilt för dess berömda representanter. Om de. Balzac (1799-1850). Stendhal (Henri. Beyle) (1783-1842) in. Frankrike;. Charles Dickens (1812-1870). I Thacker (1811 - 1863). C. Bronte (1818-1848) c. England. A. Pusjkin (1799-1837). M. Lermontov (1814 -1861) i Ukraina) ca. Ukraina.

Begreppet "realism" i förhållande till konst och estetik, inriktat mot människan som huvudämnet för konstnärlig kunskap, formades inom estetiken under hela 30-talet av 1800-talet. Arvet från tyska konstnärer var inte mindre viktigt. Bok. L. Vinbargas "Estetiska resor" (1834), som innehöll kritik av den romantiska skolan och en dedikation till "Ungt Tyskland, inte gammalt", gav inte bara namn åt en ny grupp konstnärer - "Unga Tyskland", utan stimulerade också sökandet efter nya estetiska förhållningssätt till konstnärlig kreativitet utifrån verkliga livet. Viktigt för bildandet av begreppet "realism" och formuleringen av dess estetiska principer under denna kreativitetsperiod. G. Buchner. Han kritiserade idealiseringen av både romantikerna och de. F. Schiller, som noterar vikten av sociala frågor i konsten. En viktig bedrift i den nya riktningens estetik var filosofisk och litteraturkritisk kreativitet. G. Heine, kritiserade de reaktionära tendenserna i romantikens estetik och bekräftade de fruktbara idéerna i denna riktning. Fördjupningen av realismens estetiska principer underlättades av vänsterhegelianernas aktiviteter. Tidningen "Yearbook of M. Halle" (1839) publicerade ett manifest "Protestantism and Romanticism", som inte bara skilde den nya riktningen från romantiken, utan också innehöll den. OSU aktiv tendentiousness av litteratur och tjänar dess sak av frihet och hämnd.

Bildandet av den klassiska realismens estetik underlättades av kreativiteten hos representanter för fransk litteratur och konst. Gustave. Courbet, i "Förordet till utställningens katalog" presenterade ett manifest för kreativitet i en ny riktning, och förklarade idén om frihet för konstnärlig kreativitet och konstnärens rätt att sanningsenligt återspegla sina idéer. ”Jag ville, efter att ha studerat traditionen, få en meningsfull och oberoende känsla av min egen individualitet enligt min bedömning, att inte bara vara en målare, utan också en person, det vill säga att skapa en levande berättelse - det är mitt mål.” Talet förvärrar den uttryckta åsikten. G. Courbet på kongressen för belgiska konstnärer 1861: "Ralismens grund är förnekandet av den romantiska konsten, liksom den klassiska skolan, var "konst för konstens skull i dag, enligt de senaste uppgifterna inom filosofin." även inom konst måste du tänka och inte låta känslor besegra logiken." Låt oss i ovanstående uttalande vara uppmärksamma på orden "förnekande av idealet." Konstnären förnekar idealisering som en princip för förhållningssätt till att skildra livet. Inte mindre viktig för den klassiska realismens estetik är konstnärens åsikt: "Realism är i grunden en demokratisk konst." På inledande skeden Som ett resultat kombinerade den klassiska realismen principerna för fördjupad förståelse av den sociala verklighetens motsättningar med romantiska människosyn och möjligheten att förbättra livsaktiviteten med romantiska syn på människor och möjligheten till ett grundligt liv.

Arbetet var av särskild betydelse för att förstå den klassiska realismens estetiska principer. Motstånd de. Balzacs "Förord ​​till den mänskliga komedin" (1842), som innehåller ett estetiskt manifest för den nya konsten. En av hans inledande teser var tanken: "Litteratur är en återspegling av samhället." av det sociala livet, O de Balzac inspirerad av naturvetenskaplig forskning, som avslöjar en holistisk bild av det naturliga livet. den dolda innebörden av en enorm ansamling av typer, passioner och händelser. Författaren strävar också efter att förstå principerna. människans natur och finna att "där mänskliga samhällen rör sig bort eller närmar sig den eviga lagen, till sanningen, till skönheten." riktning under övervägande. Om de. Balzac erkänner inkonsekvensen i människans och mänskliga relationer, men anser inte att situationen är dödlig: "Jag tror inte på den oändliga förbättringen av det mänskliga samhället, jag tror på förbättringen av människorna själva." relaterat till konstverkens konstnärliga perfektion och kriterierna för dess bestämning. Den kvalitativa skillnaden med detta tillvägagångssätt är att konstnären söker utforska vad som är naturligt i mänsklighetens liv, medan de tidigare skildrade individuella människotyper eller specifika aspekter av livet.

Inte mindre viktigt för estetisk teori var tankar. Om de. Balzac om olika typer av litteratur ("litterary schools"). Kritikern delar sitt beroende av förhållandet mellan bild och idé, ideal och form. På grundval av detta finns det olika typer av konstnärlig bildning: "idélitteratur", "bildlitteratur" och skolan för syntes av dessa tillvägagångssätt - den klassiska realismens litteratur (även om detta koncept är frånvarande i O de Balzac, men en felaktig en accepteras - "litterär eklekticism"). Han kännetecknar de positiva egenskaperna hos de namngivna skolorna och hyllar "idékonsten", dvs. konstnärers förmåga att upprätthålla konstnärlig bildning och allmän uppfattning, vilket ger arbetet integritet. I "bildlitteraturen" noteras det konstnärliga språkets poetiska kvalitet som värdefull. I litteraturen som syntetiserar båda tillvägagångssätten är båda positiva egenskaper hos de namngivna typerna. Med hänsyn till skillnaderna i att förstå konstens väsen, introducerar kritikern klargörande begrepp: "klassiker" och "romantik" Han kopplar samman begreppet "klassiker" med "idélitteratur" och tillämpar det inte bara på konstnärer från tidigare, men också till sin egen kreativitet och några av hans samtida. Inte mindre viktigt för att förstå den klassiska realismens estetik är författarens tankar om det kreativa genialitetens natur, begreppet "konstnärlig ravda", syftet med konst i samhället och konstnärens roll i det offentliga livet.

Fruktbara estetiska idéer finns i de kritiska artiklarna av Stende la (Acri. Bayle). Dessa är studier om musikens historia ("The Life of Guyana, Mozart and Metastasis", 1815); måleriets historia (History of painting in Italy", 18 817); polemiskt arbete mot klassicismen ("Racine och Shakespeare", 1823 - del 1; 1825 - del 2). Estetiska åsikter. Stendhal bildades under inflytande av estetik. Upplysningen bestämde den optimistiska synen på människan i tron ​​på oändligheten av hennes möjligheter och önskan om lycka. Den senare anses vara den främsta motivationen för mänsklig aktivitet, han ser syftet med konsten i att väcka empati för karaktärerna och en önskan att. höra estetiska idéer underbyggda i litteraturkritiska verk som författaren konsekvent förkroppsligar i konstnärlig kreativitet.

De estetiska principerna för den nya riktningen i engelsk litteratur och konstkritik hävdades. J. Ruskin (1819-1900). M. Dickens,. I tacker. TILL det viktigaste arbetet. J. Ruskin tillhör "Modern Artists", "Artistic Fiction: the Beautiful and the Ugly", "English Art", "Art and Reality", "Lectures on Art", etc. Den ledande principen i hans estetik är principen om konstnärlig realism Viktigt för Shaturology hade idén om behovet av att studera konst i kombination med filosofi, sociologi och i interaktion. olika typer konst. Hans verk försvarar hans åsikt om betydelsen av konstnärliga idéer i konsten, och innehåller kritik av det borgerliga samhället, som är fokuserat på rent materiella värden och är fientligt inställd till konstens sanna skönhet och andlighet. Kritikern skiljer mellan begreppen "konstspråk" och "städer, eller idén om ett verk" för att visa det senares beroende av planen som inspirerade konstnären "Det är inte metoden för skildring , men vad som avbildas, antingen i målning eller i språk, som slutligen avgör storhet konstnär eller poet." I dagens sammanhang låter idén om betydelsen av en konstnärlig idé relevant, eftersom i avsaknad av det i ett verk får en person större nöje av att betrakta naturliga uttryck och snarare än konstnärens hjälplösa ansträngningar. Slutsatsen av författarens resonemang är följande tanke: "Ärligt talat, nöjet vi får av konst är på ett eller annat sätt kopplat till intellektet." Det vill säga, kritikern ser konstens väsen inte bara i den konstnärliga formens perfektion, utan också i fulländningen av verkets innehåll, den kräver varseblivningsämnets intellektuella ansträngningar. Pågång. J. Ruskin uttryckte intressanta tankar om begreppet "imitation" och dess samband med begreppet "sanning." Han noterar att idén om arv är en komplex kombination av idéer om sanning med idéer om skönhet och estetisk attityd. Åsikter om sambandet mellan konst och moral är relevanta i vår tid. Själva möjligheten till konstens existens är beroende av moralens nivå, "annars kan konsten "penetrera medvetandet hos dem som i moralisk mening redan är kapabla att underkasta sig dess inflytande." En persons mentala hälsa är en kritiker som med rätta är beroende av hennes förmåga att älska skönhet sensi zdatnyj pіdorakuvatsya yogo inflöde."

Estetiska idéer. Charles. Dickens uttryckte sig på sidorna av skönlitterära verk, och den programmatiska designen gavs i "Förordet" till hans romaner "The Adventures of Oliver. Twist" och "The Life and Adventures of Nicholas. Nickleby" av O. Deras främsta motiv är att visa att inte bara eleganta teman och höga hjältar har rätt att bli föremål för konstnärlig skildring. Livets sanning, avslöjad av konsten, har förmågan att tydligt visa den sanna fattigdomens omfattning i den eländiga existensen av representanter för "undervärlden". ” En författare i konstnärlig sanning är ett viktigt medel för att förbättra samhället och moralen en person har förvärvat en mer grundlig förståelse för mänsklighet och moral.

Den ryska revolutionär-demokratiska estetiken och den kritiska realismens konst gav ett betydande bidrag till utvecklingen av den klassiska realismens estetik. Estetiken i denna trend är baserad på kreativitet. O. Pushkin. M. Lermontov. M. Gogol, och i kritik - genom verk. V. Belinsky (1811-1848). O. Herzen (1812-1870) fortsatte i arbeten om estetik. M. Chernyshevsky (1828-1889), kritiska artiklar. M. Dobrolyubova (1836-18 61). F. Dostojevskij (1821-1881). L. Tolstoj (1828-1910). A. Tjechov (1860-1904). V. Sta-sova (1824-1906) och andra. Karaktären av det holistiska systemet för rysk estetik under 1800-talet kom in i arbetet 900), vars estetiska position är en syntes av idéerna om den klassiska realismens estetik. och irrationell experimentell kunskap.

En medveten demokratisk ideologisk position blev den ursprungliga principen för den ryska klassiska realismens estetik. Vissarion. Belinsky skiljer tydligt mellan den så kallade sanningen av fakta och essensen av saker och fenomen. Jag noterar att man i kunskap inte bör utgå från fakta, utan från idéer, när han förstår meningen med den konstnärliga processen, ser han filosofins principer; och estetik. G. Hegel, särskilt utplaceringen av den absoluta idén i sinnliga konstformer. Kritikern ser konstens huvuduppgift i återspeglingen av det naturliga - det uppstår som allmänt värdefullt tack vare konstnärens geni, öppnar hans samhälle i kraft av sin personlighet, genom talangens kraft ger konstnären en verklig bild åt hans tid, avslöjar de väsentliga grunderna för hans väsen.

Ett exempel på denna typ av kreativitet. V. Belinsky överväger dramaturgi. W. Shakespeare. Han understryker vikten filosofisk förståelse verklighetsmönster (naturliga, sociala och den sanna världens ansikte) och dess reflektion i konsten med adekvata konstnärliga medel. En sådan enhet tillåter den estetiska idén att ta emot det verkliga livet, att framträda i form av ett ideal för konstnärlig skönhet. Ur en djup idés synvinkel och dess konstnärligt perfekta förkroppsligande, finns ett kriterium för konstens värde, i synnerhet kreativiteten hos den nationella kulturens genier.

V. Belinsky är ansvarig för att underbygga idéerna om sambandet mellan folkligt och nationellt i konstnärlig kreativitet, genialitetens natur och kreativitetens bestämning av det nationella livets innehåll. Kritikern upptäcker den relativa dialektiken i konstens form och innehåll: formens relativa oberoende, eftersom den bestäms av nivån på konstnärens talang, det vill säga subjektiv förmåga, och innehållet är objektivt till sin natur ger poeten sitt folks liv, därför värdighet, djup, volym och mening. Detta innehåll beror direkt och direkt inte på poeten själv och inte på hans talang, utan på den historiska betydelsen av hans folks liv (kursiv stil av V M).

V. Belinsky differentierade talangnivån, med hänsyn till talangens och geniens möjligheter att påverka samhället. Talang karakteriseras som "särskildhet" och "exklusivitet", och geni är personifieringen av nationens ande "Namnet på ett geni är miljoner, eftersom han bär på miljontals lidande, glädjeämnen, förhoppningar och strävanden. Och detta är universaliteten i hans idéer och ideal: de berör alla, de behövs av alla, de finns inte för ett fåtal utvalda, inte för det här eller det lagret, utan för hela folket, och genom dem - för alla mänskligheten." Bland de angelägna problemen som ständigt är synliga i kritikernas argument är problemet med litteraturens och konstens inflytande på nationens andliga liv, dess moraliska hälsa, nationens liv och dess moraliska hälsa.

I estetiskt arv. Alexandra. Herzens analys av kreativitet är av särskild betydelse för den ukrainska nationella kulturen. M. Gogol. Den angelägna frågan om tillhörighet. M. Gogol, antingen för ryssarna eller för den ukrainska kulturen, klargörs tydligt av själva studiet av arvet efter den berömda författaren. O. Herzen. Filosofen noterar författarens "lilla ryska" ursprung och, med stor respekt för folkets historia och kultur, märker han andan av frihetsälskande och respekt för sin egen historia rotad i honom. Det var denna anda som den enastående konstnären absorberade. Kritikern delar upp författarens arbete i två perioder, kvalitativt olika till sin karaktär. Den första är en serie "verkligt vackra målningar som skildrar moral, vanor och natur. Lilla Ryssland - målningar fulla av nöje, grace, livlighet och kärlek." Glad flytt. M. Gogol från Ukraina till mitten. I Ryssland förändras tonen i hans verk: "allt i hans själ blir mörkt, dystert, fientligt." Det uppenbara avslöjas: M. Gogol - ukrainska: han såg fulheten i den ryska autokratiska byråkratiska maskinen just för att han tittade på den fristående, utifrån den extrakratiska maskinen, och gynnades av det faktum att han förundrades över den från sidan, från utsidan.

En enastående teoretiker av den klassiska realismens estetik. Ryssland var. Nikolai. Chernyshevsky. V. Zenkovsky definierade estetik. M. Chernyshevsky som "estetisk humanism". V. Soloviev, utvärderar avhandlingen av Yu. M. Chernyshevsky "Konstens estetiska förhållande till verkligheten" (1855), kallade det "första steget mot positiv estetik." M. Chernyshevsky angående värdet av verklig skönhet, det vill säga uppkomsten av verklighetens skönhet över skönheten i konsten. Syftar på estetik. J-J. Rousseau och L. Feuerbach. M. Chernyshevsky bevisar att verkligheten är högre än konsten, den är källan till skönhet. Men skönhet i förhållande till verkligheten är bara en del av den, och en avledd sådan. Skönhet koncept. M. Chernyshevsky formulerar ganska aforistiskt: "Livets skönhet", "Skönheten och varelsen i vilken vi ser livet som sådant, vem det borde vara enligt våra koncept." Enligt åsikt. V. Zenkovsky, filosofens estetik, tack vare idén om företräde för verklig skönhet framför konstnärlig skönhet, öppnade nya perspektiv för filosofisk estetik. Estetisk humanism. M. Chernyshevsky innehåller idéer om religiös immanentism, som avsevärt påverkade konstnärers och filosofers estetiska sökningar på 1900-talet, och närmar sig också estetik i vissa aspekter. V. Solovyova och. F. Dostojevskij.

Filosofens verk "A Critical Look at Modern Aesthetic Concepts", "The Sublime and the Comic", etc. ägnas också åt estetiska frågor. De förklarar på djupet ett antal begrepp som framställs i avhandlingen, särskilt begreppet skönhet : "Manifestationen av en idé i en separat sinnlig varelse är vacker. Idén om ett objekt är dess väsen i den form i vilken den uppträder i verkligheten bestäms idén om ett objekt i större detalj, för utan brunn -definierade detaljer ett objekt existerar inte i verkligheten. Därför börjar idéernas värld, och följaktligen, bara med livets sfär. Estetisk position. M. Chernishevsky, i förhållande till skönhetens företräde i den verkliga världen över konstnärlig skönhet, öppnade nya perspektiv för filosofisk estetik. Hans estetiska humanism påverkade estetiken. V. Solovyovmanism ingjutit i estetik. V.. Solovyov.

Vladimir. Solovyov är den största representanten för rysk filosofisk estetik, vars arbete syntetiserar resultaten av filosofisk idealism i europeisk och rysk filosofi, och idéerna om "estetisk humanism" av M. Chernyshevsky, särskilt idén om den naturliga skönhetens företräde. Estetiskt arv. V. Solovyov är uppdelad i två perioder. Den första (1877-1883) är förknippad med den transcendentala deduktionen av kategorin skönhet och förståelse av problemet med symbol ("Filosofiska principer för integrerad kunskap", "Kritik av abstrakta principer", "Läsningar om gud-mandom", " Tre tal till minne av Dostojevskij"). Under den andra perioden (1889-1900) analyseras mångfalden av manifestationer av skönhet i naturen och i den andliga sfären, främst inom konsten ("Skönhet i naturen", Allmän betydelse konst","Det första steget till positiv estetik", en serie artiklar om poesi. O. Pushkin, F. Tyutchev, A. Fet och annan positiv estetik", en serie artiklar om poesi. O.. Pushkin,. F. Tyutcheva. A.. Feta och in.).

Kreativitetsforskare. V. Solovyov (E. Trubetskoy, V. Zenkovsky) noterar att filosofens estetiska åsikter praktiskt taget inte förändrades under hela hans liv. Formulering av teorin om holistisk kunskap. V. Solovyov anser att det är det verkliga målet att förverkliga de högsta mänskliga värdena: sanning, godhet och skönhet, det vill säga deras verkliga genomförande. Att lösa problemen med att förverkliga kunskapens och värderingarnas universum. V. Soloviev är tveksam till att ta till utopiska teoretiska konstruktioner. Grunden för det andliga. Transfiguration - teurgi - filosofen betraktar skönhet. Naturens skönhet, där ordning råder, är den initiala länken (här märks inflytandet av estetik och M. Chernyshevsky). Dess högsta manifestation är konstens skönhet, vars uppgift inte är att upprepa, utan att fortsätta det konstnärliga arbete som naturen påbörjat. Konst borde bli en "viktig sak", nämligen "ett djupt och starkt inflytande på den verkliga världen." Konstnärlig kreativitet. V. Solovyov betraktar det som en mystisk handling, eftersom dess mål är "kommunikation med den högre världen genom inre kreativ aktivitet" - teurgi. Filosofen betonar: "I mänskligt liv är konstnärlig skönhet bara en symbol för det bästa, ögonblick som en regnbåge mot den mörka bakgrunden av vår kaotiska existens." Naturens estetik ses som ett steg mot att förstå konstens filosofi. Naturens estetik ses som en genväg till mystikens filosofi.

Främst inom estetik. V. Solovyovs koncept om "förverkligande av känd sanning", på grundval av vilken innebörden av hans estetiska teori avslöjas, upplevde inte några betydande förändringar under hela filosofens kreativitetsperiod. Kunskap om sanning uppnås av sinnet, men uppfylld sanning betyder förkroppsligandet av världens universella mening. Att uttrycka en åsikt om skönhet och dess plats i det andliga. I omvandlingen av världen (teurgiska och estetiska) noterar filosofen: "Låt skönheten själv vara oföränderlig, men volymen och kraften i dess genomförande i form av vacker verklighet har många grader" [ZO, s. 352-353c. ..." [ZO, s. 352-353].

Uppgiften med andlig förbättring och estetisk organisation av verkligheten. V. Solovyov lägger på konst, vars handling är den interna ordningen av tillvaron, ett sätt att objektifiera idén om enhet. Kärnan i processen är genomförandet av idéer om skönhet. Skönhet framstår som huvudkategorin för estetik och, mer allmänt, epistemologi. V. Solovyova. Aning. Förvandlingar av världen enligt skönhetens lagar i estetik. V. Solovyov härleds från två huvudpostulat: för det första den grundläggande integriteten hos ett estetiskt objekt, och för det andra finns det en värdekaraktär hos ett estetiskt objekt är alltid ett internt integrerat objekt och i sig värdefullt.

I estetik. V. Solovyov, baserat på idén om holistisk kunskap, uppstår sambandet mellan det moraliska och det vackra organiskt. Stor betydelse I hans epistemologi och estetik betraktas problemet med symbol utifrån begreppet "idé". Det senare är inte bara en formell enhet av ande, sinne och själ. Det konceptualiseras också i bilden av materiens och formens sanna identitet, det vill säga en levande varelse, en metafysisk personlighet, och denna version av platonisk symbolisk mytologi förvärvar i estetik. V. Solovyov har en djupt personlig betydelse. Filosofens estetik påverkade bildandet av den ryska symbolikens estetik (Merezhkovsky, Bely, etc.), rysk religiös estetik (Berdyaev, Bulgakov och andra, Bulgakov och andra).

I Ukraina etablerades estetik som en oberoende vetenskaplig disciplin tack vare professorns verk. Kharkov universitet. Ivana. Kroneberg (1788 - 1838). Följande avhandlingar ägnas åt estetikens historia: "Aforism vi", "Historisk syn på estetik", "Materialer om estetikens historia", etc. Verket "Historisk syn på estetik" undersöker historien om begreppet " imitation" och dess dubbla förståelse: för det första - inledningen är inte Aristoteles och betyder "imitation av naturen", den andra är förknippad med estetiken för imitation av modeller och är karakteristisk för klassicismen. I. Kroneberg hyllar. G. Lessing, som med sin polemiska talang förstörde nouveaukonsten "imitation av modeller (klassicism - V. M), vilket banade väg för demokratisering av konstnärlig kreativitet." Författaren skiljer mellan "teorin om de sköna konsterna" (dvs. konstkritiken) och "estetiken." av estetisk teori i. Tyskland från. O. Baumgarten K. F. Schelling. Det intygar inte bara författarens utmärkta kunskaper om klassisk tysk estetik, den höga professionella presentationen av teorin, utan också enheten i historisk och teoretisk analys av estetisk problematisk estetik, den höga Fachian iver för presentation av teori, och enheten av historisk och teoretisk analys av estetisk problematik.

Bildandet av revolutionära demokratiska principer för estetik i Ukraina är förknippat med kreativitet. Taras. Shevchenko. Under de följande decennierna utvecklas de i kreativitet. I.. Franko (1856-1916). Lesya ukrainska (1871 1-1913). Ett visst grundarbete har gjorts inom demokratisk estetik. M. Kotsyubinsky, och. Nechuy-Levitsky och andra. Viktig roll tillhörde de estetiska idéerna hos professionella filosofer, kulturologer, konstkritiker:. M. Grota (1852-1899). D. Ovsyaniko-Kulikovsky (1853-1920). O. Potebnya (1833-1891). M. Dragomanova (1841-1895) och i895) och in.

Estetiska idéer. T. Shevchenko bildades under storhetstiden för konsten i "naturskolan" och kritisk realism i litteratur och konst. Reflektioner om konst finns i författarens litterära verk ("Musiker", "Artist", "En promenad med nöje och inte utan moral"), korrespondens, såväl som i "Journal" ("Dagbok"). De problemområden som intresserar konstnären är konstens inflytande på det sociala livet och individens utbildning, möjligheterna för vissa typer av konst i utbildningsprocess, särskilt betydelsen av satir för att förbättra moral, seder, frågor om kreativ inspiration och dess källor, etc. Hans ursprungliga tolkning av begreppet "frihet för konstnärlig kreativitet": "Det förefaller mig som om en fri konstnär är lika begränsad av naturen omkring honom som naturen är begränsad av dess eviga, oföränderliga lagar Och om denne fria skapare försöker avvika genom ett hårstrå från naturens eviga skönhet blir han ett avfälligt, moraliskt monster." T.. Shevchenko finner ett objektivt kriterium för konstens konstnärskap: skönheten i den naturliga världen fungerar som ett mått på den estetiska lämpligheten hos formativa färdigheter. Tydlig åtskillnad mellan den konstnärliga och skapande processen och det mekaniska följandet av naturen i skrift. B. Zalessky. T.. Shevchenko kontrasterar den kreativa konstnären med den kopierande konstnären. Han anser att bestämmelserna i den andra är en olycka och skriver: för mig själv, "Jag är rädd att ens tänka" på en sådan kopist.

Ivan var en enastående teoretiker inom estetik. Franco. Hans estetiska arv har fortfarande varit lite utforskat. Den lysande författaren, poeten, filosofen, sociologen, konstkritikern, folkloristen (och detta är bara en del av det nationella geniets vetenskapliga intressen) äger många verk om litteraturens teori och historia, teater, musik, folklore, etc. I. Franko är författare till en teoretisk avhandling om estetik "Från den poetiska kreativitetens hemligheter" (1898), han är ansvarig för motiveringen av estetik som en oberoende vetenskap och metodik för konsthistorien. I sitt estetiska arv ägnade han stor uppmärksamhet åt frågor om bildning andliga världen personlighet och medlen för konstnärlig skönhet, studiet av konstens värde som en speciell typ av andlig upplevelse, det unika i konstens konstnärliga språk, konstens sociala funktion etc. Estetikens egenart kommer tydligt till uttryck. Och.. Franco - demokrati. Han försvarar. Ideologi, realism och folkkonst. Artikeln "Internationalism and Nationalism in Modern Literatures" berör det viktiga problemet med sambandet mellan den internationella kanaliseringen av "litterära smaker och intressen" och förstatligandet av "varje enskild litteratur Det är tack vare ett sådant samband som den nationella originaliteten." individuella litteraturer manifesteras tydligare för varje gång, dess drag strömmar in. Originalitet framstår dessutom inte som en strävan efter form, utan konstnärens förmåga att i konstnärligt uttrycksfulla former förstå och förmedla det som i allmänhet är värdefullt i den nationella erfarenheten på ett sådant sätt att det inte bara berör landsmännens hjärtan, utan också "hela den civiliserade världen kommer alla att finna i hans verk, även om det är ovanligt och deras ursprungliga nationella form är samma känslor, tvivel, lidande, sympatier och antipatier som utgör kärnan i den moderna själen." utbildad person". Kritikern bekräftar enheten i de moraliska och estetiska principerna för konstnärlig kreativitet, från dessa positioner som kontrasterar ideologiskt orienterad konst med en uttryckt moralisk position till "litterärt mode" I. Franko underbygger värdet av kreativiteten hos de nationella litteraturernas genier, som djupt och orädd analyserat mänsklig själ och mänskliga och sociala relationer som djupt och oräddt analyserade den mänskliga själen och mänskliga blodkärlen.

En speciell plats i arvet. I.. Franko, och i ukrainskt estetiskt tänkande tillhör verket "From the secrets of poetic creativity" Kritikern polemiserar med "idealistiskt dogmatisk estetik", från sin favoritmat och dess abstraktion, fokuserad på sökandet efter döda definitioner och kanoner, till förmån för en praktiskt orienterad estetik, kallar den "ny induktiv estetik" Ämnet för vetenskapsmannens kritik är subjektivism i estetik och år av eraturny kritik och objektivism, som tenderar att absolutisera ett verks faktiska tillförlitlighet utanför dess estetiska och konstnärliga kvaliteter. , etc. Franco förnekar ensidigheten i det filosofiskt-rationalistiska förhållningssättet till ursprunget till konstnärlig kreativitet och position. E. Garman, som absolutiserar fenomenet det omedvetna i konstnärlig kreativitet. Kritikers intresse är idéer. G. Fechner. V. Wundt och. M. Dessoir angående de "två nivåerna av medvetande: "övre" och "lägre" (idéer som senare kommer att utvecklas inom forskningen. K. Jung i teorin om det "kollektiva omedvetna" har en utveckling i forskningen. K. Jung i teorin om det "kollektiva omedvetna") .

Ur ett psykologiskt synsätt etc. Franco analyserar kreativitet. T. Shevchenko, som betonar originaliteten i det nationella geniets konstnärliga tänkande

Genom att förstå begreppet "konstnärlig skönhet" fokuserar han inte på innehållet i det som avbildas, utan på bildens konstnärliga övertalningsförmåga, dvs. om den estetiska essensen av ett konstverk och. Franco skriver: ”Det är inte i vilka saker, fenomen, idéer en poet eller konstnär tar som material för sitt verk, utan i hur han använder och presenterar dem, vilket intryck han skapar med deras hjälp i vår själ, ligger i att enbart hemligheten bakom konstnärlig skönhet."

Estetiska vyer. Lesya Ukrainsky presenterade i litterära och journalistiska artiklar "Två riktningar i modern italiensk litteratur", "Utopia i fiktion", "Nyaste sociala drama" och andra, i korrespondens. UNI av författare, poetisk och prosa kreativitet. Den bekräftar konstens ideologiska och partiska, demokratiska inriktning. Samma idéer används i kreativitet som ett estetiskt konstprogram; Den lysande författaren ser sitt mål i bekräftelsen av mänsklig värdighet, kampen för frihet som ett villkor för att erhålla värdighet, medvetenheten om att man tillhör den nationella helheten som grunden för att en person ska uppfylla sitt öde i livet, och i slut, uppstår från livets kreativitet. I litteraturkritiska artiklar. Lesya Ukrainskaya ger en djupgående tolkning av ett antal teoretiska och konstbegrepp. Dessa inkluderar i synnerhet begreppet "nationalitet" (artikel "Små ryska författare i Bukovina"). I verket "Two Trends in Contemporary Italian Literature" är ämnet för estetisk analys begreppet "tendentiöshet" i litteraturen.

Att försvara konstens demokratiska ideal. Lesya Ukrainskaya har en ironisk inställning till modernismen, och betonar konstgjordheten i dess motto "konst för konstens skull", och anser att det är omoraliskt att lämna livet i "ren konst". i livet, ragamuffins." Ett viktigt tillägg till estetisk teori inkluderar begreppet "men romantisk stil", formulerat i relation till de representanter för polsk litteratur som "ständigt kontrasterar känslorna av förnuft bakom litterära tekniker nära den ryska realismens modell, men med passion och exklusivitet teman, storslagna konturer närmar sig romantiken igen."

Begreppet "nyromantik" användes flitigt. R. Wagner i sitt verk "Opera och drama", i synnerhet, analysera verken. J. Meyerbeer. Lesya Ukrainskaya accepterar det bredare, som ett fenomen som omfattar konsten från en viss historisk period och innehåller motsatta trender inom konsten. Dessutom användes den i författarens översättning till ukrainska och introducerades därför i vetenskaplig användning av den nationella kulturens nationella kultur.

I verk av genier av nationell kultur. T. Shevchenko,. Och.. Franco,. Lesya ukrainska estetiska teorin går utöver rent teoretiska konstruktioner, förverkligas i konstnärlig praktik, och blir därigenom en källa för bildandet av estetiska och moraliska övertygelser hos individen.

Estetiken i Ukraina under andra hälften av 1800-talet utvecklades inom ramen för den positivistiska riktningen i filologins djup. En enastående representant för den filologiska vetenskapsskolan. Alexander var lingvist vid Kharkov University. Potebnya. Vetenskapsmannens estetiska åsikter anges i verken "Tanke och språk" (1862), "Från anteckningar om litteraturteori" och "Från föreläsningar om litteraturteori" (båda publicerade postumt av hans studenter). O. Potebnya utforskade sambandet mellan estetik och lingvistik utifrån problem allmän lingvistik, jämförande historisk grammatik, litteraturteori, folklore. Forskarens huvudsakliga forskningsansats är psykologisk och epistemologisk. Hans forskning var fruktbar för estetisk teori, eftersom den avslöjade värdet av den estetiska positionen för vetenskaplig forskning inom specifika kunskapsområden. Pågång. V. Potebnya kommer att förstå frågorna om sambandet mellan myt, språk och konst, särdragen i konstnärligt tänkande, konstens särdrag som ett sätt att manifestera mentalt liv. Språk betraktas som ett sätt att objektifiera sensoriska data, en personlig uppteckning av livet, och tolkas som ett medel "inte att uttrycka en färdig tanke, utan att skapa den - det är inte en återspegling av den världsbild som har utvecklats, men den verksamhet som utgör den.”

Forskaren avslöjar hur kunskap produceras och hur den objektiveras med hjälp av ord. Följaktligen är en tanke med sitt innehåll "antingen en bild eller ett begrepp det finns ingen tredje medelväg mellan den första och den andra" R. Med tanke på förhållandet mellan ord, bild och begrepp. O. Potebnya noterar: "Det centrala särdraget i en bild, uttryckt i ett ord, har inte betydelse i sig, utan som ett tecken, en symbol för ett visst innehåll." Kopplingen mellan tänkande och fantasi, originaliteten i ordets struktur i poetiskt tänkande utforskas grundligt, han talar om ordet som ett sätt att "kondensera tanken", överföra en persons andliga styrka; i ett poetiskt ord skiljer det yttre form (ljud) och inre form (sättet på vilket meningen uttrycks), samt betydelse. Ämnet för förståelse är begreppet "idealisering" i konsten och den poetiska bildens särart. I motsats till idén om "ren konst" O. Potebnya bevisar att det som sådant är omöjligt. Språket är en produkt av folket, och därför anses konst vara ett demokratiskt till sin natur och i huvudsak andligt fenomen. Forskarens verk avslöjar sambandet mellan vetenskap och konst som två former av tänkande. Psykolinguistisk forskning. O. Potebnya fortsattes i slutet av 1800-talet - början av 1900-talet i verk. D. Ovsyaniko-Kulikovsky och. Andrey. WhiteXIX - början av XX-talet. i praktiken. D.. Ovsyaniko-Kulikovsky ta. Andria. Vit.

Redan från övervägandet av vad som är föremål för estetik blir det tydligt att det sociala livets händelser inte är uteslutna från dess intresseområde. Men den kreativa processen för konstnären, skaparen av konst, med all dess intimitet, individualitet och irrationalitet (den senare är ofta mycket överdriven och fungerar som en ursäkt för ett lat sinne som inte vill genomföra en komplex analys av kreativ verksamhet och gömmer sig bakom "kreativitetens oförklarliga hemlighet" som en universell förklaring) inte sker isolerat från samhället. Kopplingarna mellan konstnären och samhället är tvåvägs. Samhället och kulturen formar konstnärens personlighet. Även för att förneka det existerande samhället, kulturen, religionen måste du först socialiseras in i detta samhälle. Sammanslutningar av konstnärer, konstskolor, komplexa kopplingar mellan konstnären och hans beundrare och motståndare tyder redan på att existensen av en konstnär och konstverk oundvikligen inkluderar en social komponent. Åskådare på en teater eller museum bildar vanligtvis en social grupp (om än en tillfällig sådan som snabbt sönderfaller) med vissa relationer mellan dess medlemmar.

Utseende konstsociologi som en disciplin som uppstod i skärningspunkten mellan estetik, konsthistoria och sociologi, var en konsekvens av betydelsen av konstens sociala funktion. En av grundarna till den sociologiska analysen av konst var representanten för positivismens filosofi I. Ten, som trodde att konsten uttrycker det som redan finns i samhället. Funktionerna i arbetet bestäms av tre faktorer - ras, miljö och epokens egenskaper.

Samhället kan påverka konstnären direkt och indirekt, klart och omärkligt, latent. För analys sociala funktioner konst är nödvändiga grundbegrepp.

Författare- ett ämne eller (mindre ofta) en grupp som skapar ett konstverk. Fall av gruppförfattarskap är svårare att analysera och ibland är det helt olämpligt att tala om en sådan grupp av författare som en enda samlad författare. Individuellt författarskap utesluter dock inte dolt medförfattarskap, liksom inflytande på författaren från andra personer eller sociala krafter. I vissa fall förblir författarskapet anonymt eller spekulativt. I många fall är det nödvändigt att återställa författarskapet genom att analysera den igenkännbara författarens stil eller helt enkelt bedöma verkets integritet. Således skrevs WA Mozarts "Requiem" inte helt av honom personligen, men enligt de flesta musikforskare visade sig fullbordandet av planen av kompositörens elever vara ganska organisk, även om det på vissa ställen i musiktexten kunde har varit mer original.

Vissa klassiker inom det estetiska tänkandet (G. G. Shpet) tror att fullbordandet av ett verk betyder ögonblicket för "författarens död" (R. Barth), när verket är separerat från "navelsträngen" som förband det med konstnären och börjar existera självständigt. Följaktligen, när man uppfattar eller estetiskt analyserar, är information som rör författarens personlighet inte bara värdelös, utan också skadlig, eftersom analysen av texten ersätts (ibland omärkligt) av analysen av biografin med konstruktionen av ibland godtyckliga paralleller mellan personligt liv och kreativitetens egenskaper.

Den interna processen för författarens kreativitet innebär sådana begrepp som koncept, plan, stadier och metoder för genomförande plan (konturer, utkast etc.). Detta är till stor del ett forskningsområde inom konstens och kreativitetens psykologi, såväl som olika områden inom konsthistorien.

Mottagareär den som uppfattar verket. Mottagaren kan vara individuell, kollektiv (vissa perceptionsprocesser fortgår lika i en grupp av mottagare, och mottagarna själva påverkar varandra), omedelbar eller avlägsen (inklusive imaginär), modell (ideal). Om vi ​​förstår ett verk som ett meddelande, ett meddelande, så är det mer korrekt att ringa mottagaren adressat.

Konsument- ordet kan helt enkelt användas som en synonym för "mottagare" eller som en beteckning på ett ämne eller en grupp för vilken ett konstverk uteslutande eller främst fungerar som en produkt av konsumtion, vilket är förknippat med förvärvande och tillfredsställande av behov. I det här fallet har termen en negativ klang.

Kunden är en individ eller en grupp som bestämmer arten av det föreslagna verket och uppmuntrar författaren att skapa det. En order kan vara explicit eller dold, direkt eller indirekt, åtföljd av materiell belöning eller inte antyda sådan. Vid en påtvingad order sjunker ofta kvaliteten på verk på grund av inverkan av psykologiska mekanismer. Det finns också fall av avsiktlig hämnd för en påtvingad order, till exempel i form av avsiktliga oklarheter som är osynliga för kunden, olika drag av tecknade serier och karikatyrer m.m.

Social ordning är en ordning som bestäms av den nuvarande sociala situationen. En enskild kund eller organisation fungerar i detta fall som talesman för samhällets eller dess gruppers intressen och känslor. En social ordning kan vara anonym - i det här fallet anser författaren att skapandet av ett visst verk i en given situation är lämpligt eller till och med lönsamt.

Engagemang är författarens upptagenhet med, eller passion för, överväganden som i en eller annan grad ligger utanför konstens sfär. Oftare pratar de om socialt engagemang, men det kan vara annorlunda. Till exempel skapar en författare, motiverad av målen moralisering eller utbildning, motsvarande verk, som oftast är konstnärligt svaga. Men partiskhet i sig innebär inte nödvändigtvis en minskning av den konstnärliga kvaliteten.

Direction är en samling av författare och verk som tillhör dem, förenade av metoden och tidpunkten för skapandet, eran. Ibland läggs en begränsning av plats, region (land, kontinent) till. Konstens och konsthistoriens sociologi arbetar med detta koncept, såväl som konceptet.

En skola som skiljer sig från en riktning i sitt ringa antal, kompakthet och fokus på en modell - verken och instruktionerna från läraren som fungerar som rektor för skolan.

Imitation och epigonism innebär bristen på oberoende av idén eller dess genomförande (eller båda). Imitation är en neutral term (eftersom faktumet att imitera inte nödvändigtvis är dåligt), betecknar epigonism en negativ attityd. Kopiering bör särskiljas från imitation (det kan vara en reproduktionsteknik, till exempel typografisk eller använd i kriminella syften, en följd av oförmågan till självständig kreativitet eller en speciell teknik (fotorealism)). Objektet för imitation och imitation är inte en specifik författare, utan den allmänna "epokens anda", stilen på en viss skola, etc.

Artization är att ge konstnärliga former till olika fenomen i vardagslivet, "omvandla livet till konst." Oftare är det offentliga livet föremål för konstgjordhet, men en sådan omvandling kan också förknippas med en persons individuella privatliv, i det här fallet är åskådarna som regel en liten krets av nära och kära. Denna förvandling av livet till en konstnärlig handling sker i en tragisk eller tvärtom komisk nyckel, etc. Ibland är konstgjordhet en skyddande, kompenserande form av beteende och kan också indikera personlig omognad. Ofta förknippas konst med teatralitet och underhållning. Det är inneboende i vissa epoker (rokoko, jugend varv XIX-XXårhundraden), och är också en av karaktäristiska egenskaper konsumtionssamhällets masskultur och estetik.

RK, PR-aktiviteter riktar sig oftast både till den egna personligheten och till det egna arbetet i en konkurrensutsatt miljö. PR inom konst är en naturlig fortsättning på de tekniker som funnits bland konstnärer genom alla tider. Ofta är PR-medlen skandaler och medvetna provokationer från konstnärernas sida. "...Uppsättningen av böcker som stöds av "orkan" eller "total", som de säger nu, PR växer med stormsteg, medan cirkulationen av böcker som berövats sådant stöd snabbt närmar sig noll."

Konst har länge spelat en roll i juridiska och politiska sfärer. Således anses komikern Aristofanes vara en av de skyldiga i Sokrates död, eftersom hans komedi "Moln" visade sig vara en fördömande av filosofen, en direkt anklagelse om respektlöshet för gudarna. Enligt legenden bevisade Sophokles sin kompetens i rätten genom att läsa tragedin som just hade avslutats. Inom den politiska sfären är konst inte bara konsekvent efterfrågad, utan används för ömsesidigt uteslutande syften: en ursäkt för vissa politiska krafter, statliga värderingar och kritik av andra. För detta ändamål används de genrer som är mest lämpade för att uppnå det, till exempel en affisch. Det är känt hur England översvämmades med karikatyrer av händelserna under den franska revolutionen och Napoleon Bonaparte, och Frankrike självt med karikatyrer av Louis Philippe, päronkungen. Under Louis Philippes monarkis fall spelade en sådan systematisk misskreditering av individen en roll. Engelsmannen James Gillray skapade en hel rad karikatyrer om händelserna under den franska revolutionen. Av dessa var de mest kända "Middag i en familj av sans-culottes efter en dags arbete" (en sådan idyllisk titel innebar en medvetet naturalistisk middag för en familj av kannibaler) och en tecknad serie med den sarkastiska titeln "Religion, rättvisa, laglighet" och alla illusioner av oupplysta sinnen - hejdå!”, samt sarkastiska teckningar som skildrar Napoleons karriär från katalogperioden. I en tid då social konsolidering är nödvändig spelar konsten en mycket framträdande roll för att uppnå denna uppgift.

Trots förekomsten av modeller för konstnärlig kreativitet som presenterar konstnären som en isolerad skapare, är det tydligt att konstnärens personlighet inte helt kan skiljas från konsten. Teoretikern för avlägsnandet av konstnären "in i elfenbenstornet", författaren G. Flaubert lämnade i sina romaner ("Education of Sentiments", "Madame Bovary", "Buvard et Pécuchet") ovanligt informativa bilder av sitt samtida samhälle, samtidigt som han naturligtvis också förklarade i sin rent personliga inställning till honom (och denna inställning var skepsis, som övergick i djup avsky och misantropi).

Som redan delvis har antytts ovan bör man avstå från två ytterligheter - den fullständiga isoleringen av konstnären eller mottagaren av konst från sociala relationer och den sociala situationen, å ena sidan, och vulgär sociologism, å andra sidan, som stipulerar att konsten är inget annat än bara ett språkrör för samhället, genom vilket högljutt deklarerar problem och behov.

Även om en persons personlighet är färgad av nonkonformism, eskapism (flykt från samhället), social likgiltighet och tristess, bär den spår av socialt liv. Dessutom fick man allt som behövs för kreativitet och förståelse för arbetet via sociala kanaler. Det är möjligt att producera en enkel tankeexperiment. Låt oss ta ett visst konstverk (verkligt existerande eller föreställt av oss) och presentera det för allmänhetens uppmärksamhet i olika epoker och i olika sociala perioder. Vi kommer oundvikligen att se olika tolkningar av detta arbete, olika typer av känslomässig uppfattning och olika bedömningar. Den välkända aforismen "när vapnen brusar tystar muserna" bara talar om olika sociala situationer som främjar kreativiteten eller tvärtom.

Efter att ha avslutat arbetet med verket presenterar konstnären det för allmänheten (även om det är en mycket begränsad krets av kännare, eliten)1. En estetisk bedömning kommer att bildas inte bara under inverkan av summan av rent personliga faktorer (vem publiken består av, om den är homogen eller inte, om den är förberedd för mottagandet av verket), utan också på den sociala situationen . När den franske poeten, en av grundarna av den franska romantiken, A. de Lamartine, även känd som en politisk figur, ropades från folkmassan "Vi har fått nog av lyran", fanns det ingen bedömning av poetens verk. i ordets strikta mening, men ett uttalande om dess relevans i en spänd social situation. Likaså bestäms uppfattningen av karikatyrer, och satir i allmänhet, inte bara av bildens ämne, utan också av situationen där verket publicerades. Sålunda uppfattas inte "Letters from a Clothmaker" och andra satiriska verk av J. Swift av oss lika skarpt som vid publiceringstillfället. Detsamma kan sägas om "Lemuel Gullivers resor" - nu uppfattas inte denna förkrossande satir över upplysningskulturens ideal så relevant och polemiskt av de flesta läsare (och många har ingen aning alls om de verkliga syftena med att skriva boken ).

I förhållande till konstverk gör samhället ett socialt val, som ofta inte kan motiveras av verkets förtjänster, utan av situationens särdrag och partiskhet. I det här fallet realiserar konsten för det första sina funktioner genom att förena människor med liknande sociala känslor, och för det andra fungerar den som en utmärkt och korrekt indikator på samhällets tillstånd.

En ömsesidig relation etableras mellan konsten som sådan och samhället. Av ovanstående kan vi dra slutsatsen att konst, om den inte bestäms av samhället, är i fångenskap av sin utvärdering. Men det är inte sant. Konst formar allmänhetens smak, allmänhetens efterfrågan och slutligen offentliga seder.

Men alla verk blir inte hela samhällets egendom. Orsakerna till detta är olika. Vissa förkastas av samhället på grund av objektivt misslyckande. Samhället kanske inte är redo att förstå och acceptera vissa människor. Andra är fortfarande lite kända på grund av slumpmässiga omständigheter. Slutligen finns elitkonsten, som till en början utgår från en begränsad social grupp som adressat. Men sådan konst har också potential att påverka samhället. Av ovanstående framgår att konst och samhälle förenas av systemiska relationer.

Varje social period präglas av allmänna estetiska och rent konstnärliga preferenser. Vanligtvis är de offentliga massorna ganska konservativa i sina preferenser, vilket ger upphov till dramatiska situationer av förkastande av det nya bara för att det är nytt. Sociala preferenser bör dock skiljas från mode. Mode innebär en positiv (mindre ofta negativ) estetisk bedömning baserad på imitation av andra. Samtidigt, genom ödets vilja, kan mycket värdiga artister och äkta mästerverk bli föremål för fashionabla hobbyer.

Diskrepansen mellan samhället och konstnären kan ge upphov till konflikter. Den mest extrema dramatiska formen är konflikten mellan geni och samhälle, men varje artist vars talang inte kommer till uttryck på geninivå kan ta ett genis plats. Ofta behöver en konstnär vänta på början av "sin era", hans kulturella period, som hans liv kanske inte räcker till. Temat för sent postumt erkännande är ett av de vanligaste i världslitteraturen.

Beroendet av socioestetiska preferenser av en viss period, samhällets tillstånd under denna period multipliceras med samhällets interna heterogenitet. Ju mer olika och talrika sociala grupper och skikt är, desto mer isolerade är de från varandra, desto mer olika är människors smak, deras estetiska kultur och estetiska preferenser. Situationen med "spridning", fragmentering av samhällets estetiska smaker nådde sitt maximum på 1900-talet. (se kapitel 5).

• 1. Estetikens ämne och struktur.
• 2. Estetikens funktioner.
• 3. Estetik som huvudkategori för estetik.
• 4. System av kategorier och begrepp inom estetik.

Estetik är ett ord av grekiskt ursprung som betyder "angående sensorisk perception". Estetik har kommit en lång väg i utvecklingen. De första försöken att kreativt förstå karaktären av en persons estetiska förhållande till verkligheten och att identifiera mönstren för konstnärlig kreativitet går tillbaka till tiden för framväxten av det slavägande samhället. Estetiska bedömningar fanns redan i de antika litterära monumenten i Indien, Kina och Babylon. Men det estetiska tänkandet anses vara det mest utvecklade i antikens Grekland, där denna typ av kunskap var en integrerad del av olika filosofiska system. Under medeltiden utvecklades det estetiska tänkandet i teologisammanhang, under renässansen utvecklades estetiska synsätt inom den konstnärliga praktikens sfär, på 17- och XVII århundraden- baserad på konstnärlig kritik och journalistik. Stadiet av tysk klassisk estetik präglades av behovet av att isolera och systematisera idéer och idéer förknippade med en persons känslomässiga, sensuella, värdebaserade inställning till verkligheten, naturen, samhället och konsten. Detta ledde till bildandet av en oberoende vetenskap om estetik, vars grundare anses vara L. Baumgarten. Han introducerade inte bara termen "estetik" i vetenskaplig användning, utan gjorde också det första försöket att bestämma estetikens plats i det filosofiska kunskapssystemet.

En speciell aspekt av samspelet mellan estetik och etik är analysen av strukturen för estetisk känsla, som bildas på den organiska enheten av en persons yttre och inre känslor. Etiken spelar en särskild roll för att analysera konstens konstnärliga roll som en integrerad del av ämnet estetik.

När man studerar detaljerna i uppfattningen av ett konstverk, skär estetik med psykologi. Det teoretiska intresset för dessa vetenskaper är vanligt i denna rad frågor relaterade till att klargöra detaljerna i estetisk känsla, den kreativa processen, bildandet av konstnärlig talang, talang och genialitet.

För konsthistoriska vetenskaper är estetik metoden för konstens lagar, som förenar alla områden av konstnärlig kreativitet.

Det bör noteras att estetik är nära förbunden med naturvetenskap, teknisk och ekonomisk vetenskap, vilket bekräftar närvaron av den estetiska principen i olika former av kognition.

Men först och främst är estetik vetenskapen om sensorisk kunskap, vars mål uppnås genom konst. Därför intar den en central plats i strukturen av ämnet estetik. Konsten är mångfacetterad, speglar livet i konstnärliga bilder, uttrycker en känslomässig bedömning av livets fenomen, fungerar som ett kommunikationsmedel mellan människor, tillfredsställer samhällets estetiska behov och fungerar som ett kraftfullt utbildningsmedel.

Sensorisk kunskap omfattar olika aspekter av verkligheten: natur, samhälle, människan och hennes aktiviteter inom livets olika sfärer. Sådana alla typer av estetiska relationer (känslor, upplevelser, nöjen) relaterar till allmänt begrepp"estetik", vars natur också studeras av estetik. Konstnärlig verksamhet är oupplösligt kopplad till det estetiska utforskandet av världen. Men det betyder inte att det estetiska och det konstnärliga ska identifieras, eftersom estetiken för det första omfattar ett mycket större spektrum av fenomen än det konstnärliga, det första gäller all verksamhet, det andra bara konsten. För det andra uttrycker konsten inte bara den estetiska principen – den har också kognitiva, moraliska, ideologisk-politiska och andra sidor. Konst finns i systemet "Konstnär - Konstverk - Perceiving Subject". Estetik uppmärksammar studiet av alla tre länkarna i detta system, klargör lagarna för den kreativa processen och särskilt principen om förhållandet mellan världsbilden och konstnärens kreativa metod; utforskar ett konstverks struktur, förhållandet mellan innehåll och form; analyserar konstverkens funktion i samhället.

Estetik, även om den inte är en normvetenskap, innehåller ändå kunskap av normativ karaktär och har ett system av typologiska begrepp – kategorier. Deras användning för att analysera processen för estetisk utveckling av verkligheten gör det möjligt för oss att heltäckande känna igen och omvandla den i enlighet med skönhetens lagar.

Utifrån filosofisk metodik har estetiken utvecklat sina egna metoder, bland vilka historicism och strukturalism bör lyftas fram som de främsta.

Den första förutsätter att tre viktigaste villkoren uppfylls:

• - beaktande av fenomen i deras utveckling;
• - övervägande av sambandet mellan detta fenomen och andra;
• -studera historia i ljuset av modern erfarenhet.

Den andra gör det möjligt att betrakta ett konstverk som ett specifikt system bestående av många element och styrt av en naturlig koppling. Den strukturella metoden bygger på att samla in och analysera olika fakta, sammanställa en komplett lista över dem, fastställa förhållandet mellan dem, bygga ett system och skapa ett enda integrerat studieobjekt. Denna metod är ett komplement till den historiska metodiken.

Hänsyn till estetikens ämne och struktur gör det möjligt att avslöja dess funktioner, av vilka de viktigaste är ideologiska, metodologiska, epistemologiska, kognitiva, formativa, etc.

Estetikens ideologiska funktion är att bilda ett holistiskt system av ideologiska och estetiska principer som konstnären förkroppsligar i en bild. Världsbild är guiden för kreativitet och talang; främjar förståelsen av deras lagar; teoretiskt generaliserar konstnärlig praktik.

Den metodologiska funktionen avslöjas i de grundläggande principerna för kunskap om estetiska föremål, som bestämmer metoderna för deras studie.

Den epistemologiska (kognitiva) funktionen låter dig bemästra de grundläggande egenskaperna och lagarna för utveckling av estetiska fenomen, bekanta dig med estetiska begrepp och, med hjälp av konstnärligt språk, ackumulera och överföra kunskap till efterföljande generationer, tack vare sensorisk perception, expandera kunskapens gränser.

Den formativa, eller pedagogiska, funktionen bidrar till bildandet av estetiska åsikter, ideal, idéer, hjälper till att navigera i de estetiska värdenas värld och utvecklar värdeidéer som vägleder människor i deras praktiska verksamhet.

Det estetiska är inte bara den initiala kategorin av estetik som vetenskap, utan också det definierande ämnet i alla dess yttringar: estetisk känsla, estetisk attityd, estetisk smak, estetiskt ideal, estetisk medvetenhet, estetisk aktivitet.

Frågan om estetikens natur går genom hela filosofins historia. De viktigaste riktningarna för att förklara detta koncept började ta form under antiken. Det är sant, då fungerade det oftare som en synonym för skönhet. Så, till exempel, för Pythagoras var prototypen för skönhet rymden som den sanna källan till estetisk känsla. För Sokrates var det vackra det som var väl anpassat till specifikt ändamål. För Platon är detta en av manifestationerna av den absoluta idén. Aristoteles gjorde ett försök att lyfta fram estetikens specificitet och hittade den i konsten. Men först på 1700-talet. A. Baumgarten gav kategorisk status åt detta koncept och definierade det som förmågan hos sensorisk kognition, som når perfektion i konsten. I. Kant gjorde ett betydande bidrag till utvecklingen av det estetiska, och begreppsmässigt det som en subjektiv aktivitet, som förmågan till ens eget omdöme, oberoende av kontemplationen av ett objekt och begrepp, fri från alla intressen. G. Hegel höll sig till en objektiv synvinkel. I enlighet med sin filosofis principer hämtade han det estetiska från den objektiva andens verksamhet, från dess förmåga att betrakta den absoluta idén i dess sinnliga form.

I modern estetik inkluderar kategorin "estetisk" följande grundläggande idéer:

• -om den dynamiska enheten i den universella utvecklingen av mänsklig aktivitet och skönhetslagarna;
• -om växelverkan mellan utvecklingen av produktivkrafter och den mänskliga naturens rikedom som ett mål i sig;
• -om det ömsesidiga beroendet av utvecklingen av individen och hans andliga värld och praktiska inställning till verkligheten;
• -om egenskaperna hos kreativt arbete under villkor av nödvändighet och frihet.

En sådan förståelse av estetikens väsen gör det möjligt att ta ett nytt förhållningssätt för att lösa många teoretiska frågor, särskilt såsom naturen hos mänskliga kreativa förmågor, essensen av kreativitet, konstens ursprung och dess koppling till produktivt arbete, konstens förhållande till verkligheten och dess estetiska funktioner.

Processen för estetisk utforskning av världen, som är ett komplext socialt fenomen, sker i olika former och i olika områden människors livsaktiviteter. Och estetik är den vetenskap som speglar denna process i ett system av kategorier, begrepp, kriterier och principer.

De främsta bland dem är kategorierna av det vackra och det fula, det sublima och det basala, det tragiska och det komiska. Var och en av dem motsvarar vissa fenomen och situationer. Dessa kategorier är inte "medfödda" former av mänsklig verklighetsuppfattning de har utvecklat under processen social utveckling samhälle. Var och en av dem återspeglar de viktigaste estetiska aspekterna och egenskaperna hos världen omkring oss.

Skönhet finns i naturen och det sociala livet, i människans materiella och andliga aktiviteter. Detta är en av de mest allmänna och breda kategorierna av estetik. Vackert är det där form och innehåll är i sin harmoniska enhet, det som är målmedvetet, perfekt. Samtidigt, när man estetiskt utvärderar verklighetsobjekt som vackra, är det nödvändigt att ta hänsyn inte bara till huruvida deras form motsvarar innehållet, utan också vad innehållets natur är, eftersom endast med en positiv innebörd av målet egenskaper hos föremål och fenomen kommer de senare att vara vackra.

Skönheten i naturen är förknippad med regelbundenhet hos naturfenomen. Skönheten i arbetet uttrycks i dess fria natur, i ständig förbättring. Det fina med det sociala livet är rättvisa sociala relationer.

Det vackra i konsten är sanningen om livet, ideologi, humanism, uttryckt i en högst konstnärlig stil.

Det sublima är nära förknippat med det vackra, vilket kännetecknar det estetiska värdet av föremål och fenomen som har en högst positiv innebörd.

Idéer om det sublima i naturen är förknippade med olika manifestationer av prakten av dess fenomen, som väcker känslor av glädje och beundran (till exempel himlens och havets stora vidder, enorma berg, majestätiska floder och vattenfall, storslagna naturfenomen - storm, åskväder, norrsken, etc.).

I det offentliga livet manifesteras det sublima i enastående gärningar som tjänar saken till sociala framsteg. Dessa prestationer och bedrifter glorifieras i konsten med hjälp av sådana genrer som ode, hymn, oratorium, heroisk tragedi, etc.

Det heroiska ligger i direkt anslutning till det sublima. Men samtidigt är identifieringen av dessa två kategorier felaktig, för om enastående resultat uppnås utan att övervinna motstånd och de största uppoffringarna är detta sublimt, inte heroiskt.

Det vackras och det sublimas antipoder är det fula och basen.

Ugly fungerar som en kränkning av enheten av innehåll och form och återspeglar omöjligheten eller frånvaron av perfektion. Till skillnad från det fula eller fula är ful inte ett enkelt förnekande av skönhet, men innehåller i negativ form idén om ett positivt estetiskt ideal och uttrycker ett dold krav eller önskan om återupplivandet av denna princip.

Det fula utför sina estetiska funktioner endast i samband med andra kategorier. Alltså, i form av det fula ryms det i det komiska (karikatyren), i form av det fruktansvärda - i det sublima och tragiska.

Basen speglar verklighetens extremt negativa fenomen och det sociala och individuella livets egenskaper, som orsakar en känslomässig och estetisk reaktion (förakt och avsky). Som yttringar av basen i det offentliga livet kan vi betrakta sådana sociala fenomen som krig, exploatering, begränsning av individuella rättigheter och friheter. Människors handlingar uppfattas som en manifestation av basen: elakhet, bedrägeri, svek, förtal, såväl som laster: alkoholism, utsvävningar, drogberoende, prostitution.

Det tragiska återspeglar närvaron av djupa objektiva motsättningar som uppstår i processen för interaktion mellan frihet och nödvändighet, åtföljd av mänskligt lidande, död och förlusten av värden som är viktiga för livet.

Begreppet det tragiska identifieras ofta med lidande eller död som kan väcka sympati. Men i det här fallet talar vi bara om en form av det tragiska - det fruktansvärda. Ur en estetisk synvinkel är objektivt tragiskt lidande eller död som har social och universell betydelse. Genom det tragiska bekräftas i regel idealet om det sköna. Detta är till exempel en modig, heroisk protest mot social ondska, försvar av rättvisa, hedersprinciper, frihet under sådana omständigheter när omständigheterna och ondskan är starkare än vad som krävs. Därav det tragiska resultatet - hjältens död, vars pliktkänsla överstiger instinkten av självbevarelsedrift och önskan om personligt välbefinnande.

Det tragiska avslöjas särskilt tydligt i dramaturgin, som har skapat en speciell genre - tragedi, där de viktigaste aspekterna och sätten att visa tragiska ögonblick i en persons liv kommer till uttryck.

Comic är en av huvudkategorierna av estetik, som tjänar till att definiera och utvärdera de sociala fenomen, moral, seder, aktiviteter och beteenden hos människor som helt eller delvis inte motsvarar eller motsäger objektiva mönster. social utveckling, det estetiska idealet om progressiva sociala krafter, och orsakar därför fördömande i form av förlöjligande.

Frivol imitation av det allvarliga, oförmåga att förstå det absurda i ens påståenden, stöd för de begrepp och relationer i livet som är historiskt föråldrade och inte motsvarar nya sociala ambitioner och ideal - allt detta gör beteendet roligt, absurt och sätter dem som följa dem i en komisk position.

Mångfalden av manifestationer av komiken i livet bestämmer de olika formerna för dess reflektion i konsten. Den estetiska bedömningen av roliga, absurda, men korrigerbara situationer, relationer och karaktärer ligger till grund för humor eller mjuk ironi. Estetiska kategorier är sammankopplade. I livet och i konsten som helhet omfamnar och uttrycker de mångfalden av estetiska attityder till verkligheten

Romantiken är en rörelse inom konst och kultur från slutet av 1700- och 1800-talet, som behöll ett visst inflytande under första hälften av 1900-talet. Den bygger på ett ideologiskt avsteg från rationalismens ideal. Inte förnuft, utan just poetisk inspiration, estetisk upplevelse, en inre irrationell impuls av vilja och känsla - här, från romantikernas ställning, främsta styrkan mänsklig kreativitet och förståelse av tillvarons väsen. I detta avseende framhåller romantiken konsten som den huvudsakliga aktiva kultursfären och den högsta manifestationen av den mänskliga anden. Konst betraktas inte bara i sin exklusiva roll - den är, i romantikens världsbild, en sorts mystik som kan avslöja tillvarons verkliga bakgrund, bortom förnuftets kontroll, och en attraktiv form av verklig filosofi ("Konst är filosofins sanna organon”, förkunnar F. Schelling, vilket betyder en modell av tänkandets logik som konstnärligt tänkande kan ge det filosoferande sinnet). Och bland romantikens konster urskiljs musik och poesi, vars uttrycksfulla kapacitet är mest karakteristiska för patos av känslomässiga rörelser och viljemässig dynamik.
Och konsten svarade på det epokala historiska kallet orsakat av romantiska idéer med verkligt stora landvinningar: det var under romantikens tecken par excellens, som det verkar, som 1800-talet blev konstens århundrade. Den romantiska konsten som helhet kännetecknas av ett förkastande av en typiskt korrekt, logiskt balanserad återspegling av verkligheten och en fascinerande uppenbarelse av en värld av känslor, fantasier och känslomässiga impulser. Romantiken kännetecknas av nära uppmärksamhet på människans inre värld, till världen av hennes extraordinära upplevelser och ovanliga öde. Det är människan som först och främst blir föremål för förståelse i konsten. Därav den speciella rollen som en ovanlig personlighet - en skapare, en poet, en konstnär. Det är just en sådan person som kommer att behöva lyfta slöjan av hemlighetsmakeri om människan och världen, för att komma närmare sanningen, obegriplig och outsäglig annars. Nya kriterier inom konsten var yttrandefrihet, ökad uppmärksamhet på individen, unika egenskaper hos en person, naturlighet, uppriktighet och avslappnad, som ersatte imitationen av klassiska modeller som är karakteristiska för 1700-talet.
Ett av favoritteman för romantisk konst är en extraordinär personlighet och hans andliga konflikt med folkmassan, med ett samhälle av vanliga människor som inte kan förstå den mänskliga andens höga ambitioner. Och i teorin om konstnärlig kreativitet är romantiken fokuserad på bilden av en lysande kreativ personlighet, på miraklet av mänskligt geni.
Inspirationskällan för romantikerna var medeltiden, naturligtvis, idealiserad – i en anda av ädelt ridderskap och religiös helighet. Området med ökat intresse för romantiker är folkkonstnärlig tradition, folklore. Vid denna tidpunkt genomförs anpassningar av folksagor, folkmusik och stilisering av folklore. Vid denna tid skapades ursprungliga nationella konstskolor i de flesta europeiska länder.
Den ursprungliga och mycket inflytelserika idén om romantisk konst är idén om en omfattande konstnärlig syntes, dessutom en estetisk-mystisk syntes.
I poesi och litteratur representeras romantiken av poeterna Novalis, bröderna A. och F. Schlegel, E. Hoffmann, W. Tieck, C. Byron, W. Wordsworth, S. Coleridge, W. Blake, W. Scott, W. Hugo och etc. I Ryssland imiterar V. Zhukovsky dem, K. Ryleev, A. Pushkin i sitt tidiga arbete skapar M. Lermontov den ursprungliga bilden av den ryska poetiska romantiken.
En av romantikens ledande konstformer var musik; i den var det möjligt att uttrycka de djupaste och mest upphetsade romantiska upplevelserna - från subtil lyrik till hög heroism och kokningen av "världsviljan". Inom musiken var romantiken den största rörelsen under hela 1800-talet. Hans mästerverk är förknippade med namnen L. Beethoven, F. Schubert, R. Schumann, F. Liszt, F. Chopin, G. Berlioz, R. Wagner, J. Brahms, och i Ryssland - M. Glinka, P. Tjajkovskij och andra.
Det noteras med rätta att subjektivismen i landskapsskildringen kommer till konsten endast med romantikernas arbete, vilket förebådar den lyriska uppenbarelsen av naturen bland mästarna under andra hälften av 1800-talet. Romantiker älskar också porträttgenren, vilket gör att vi kan återspegla originaliteten hos hjältens personlighet och hans erfarenheter. I tysk måleri återspeglades romantikens idéer tydligt i verk av sådana konstnärer som O. Runge, K. D. Friedrich. I Frankrike vid denna tid skapade T. Gericault och E. Delacroix, vars verk kännetecknas av en patetisk karaktär, nervös spänning, en dragning till exotiska motiv, till historiska och litterära ämnen, till allt som kan leda bort från det ”tråkiga vardagsliv." I Ryssland romantiska tendenser manifesterade sig i verk av porträttmålaren O. Kiprensky, landskapsmålaren K. Aivazovsky och mästaren i den historiska genren K. Bryullov.
De ideologiska exponenterna för den romantiska världsbilden var reflekterande poeter och litterärt begåvade filosofer.
Novalis (Friedrich von Hardenburg) (1772 - 1801) - tysk poet och naturfilosof, en del av kretsen av tidiga romantiker. Novalis strävade efter en estetisk syntes av all naturfilosofisk kunskap på den bredaste basen - utvecklingen av en heltäckande vetenskaplig bild av världen, dess symbolspråk. Huvudsaken i syntesen av kunskap är idén om en enda världsbild och, genomträngande i den, principen om magisk transformation, enheten i alla historiska epoker, historiens och mytens enhet, sagor och var, verklighet och drömmar. Allt detta måste bilda en estetisk helhet. Grundläggande estetiska texter: "Blommpollen", " Kristendomen eller Europa."
Friedrich Wilhelm Schelling (1774 - 1854) - representant för tysken klassisk filosofi. F. Schellings estetik bildades under inflytande av romantiken. F. Schelling ansåg att konst är högre än filosofi, eftersom den riktar sig till en integrerad person och är kapabel att organiskt återskapa denna integritet. En nödvändig förutsättning och primärt material för konst är mytologi. F. Schelling försöker bygga ett system av estetiska koncept med hänsyn till konstens historiska utveckling. Konstens höga uppdrag motsvarar konstens filosofi, som i F. Schellings estetiska teori är ett instrument för filosofin som sådan och dess fullbordande. Schellings huvudsakliga arbete om estetik är "Konstens filosofi."
Arthur Schopenhauer (1788 - 1860) - tysk irrationalistisk filosof, som i huvudsak ansluter sig till galaxen av representanter för det klassiska tysk filosofi. Han uttryckte tydligt romantikens idéer i filosofiskt språk, vilket påverkade F. Nietzsches arbete och i Ryssland - indirekt - V. Solovyov. Kärnan i tillvaron, enligt A. Schopenhauer, är "världens vilja" - inre energi som pulserar på grundval av ömtåliga saker och logiskt definierade idéer i sinnet. Viljan är den "sak i sig själv" som en gång identifierats av I. Kant, men, enligt A. Schopenhauer, inte gömd från det mänskliga medvetandet, utan uppenbarat för honom i sina egna inre-viljande manifestationer - objektiv vilja, direkt tillgänglig för viljan hos ämnet. Viljan som uppenbarelsen av verklighetens inre element ligger till grund för den estetiska förståelsen av tillvaron, som naturligtvis överträffar det rationellt-logiska. Konsten är först och främst sfären för manifestationen av viljan och det högsta organet för andlig förståelse av tillvaron. Musik är särskilt insiktsfull i detta avseende, eftersom den handlar om själva viljans pulsationer - dess excitationer och lugn, vilket ibland bara leder till figurativa idéer. Musik, som den högsta av konsten, är en direkt återspegling av den mänskliga viljan och en manifestation av världens vilja.
Konst, enligt A. Schopenhauer, är produkten av aktiviteten hos ett geni som i hemlighet kan förena sin skapande vilja med världsviljan. Kontemplativ, d.v.s. "lysande" förståelse av ett objekt är en tidlös och rumslös kognition av högsta form (idé). Schopenhauer ställer "geniets människor" i kontrast till praktiskt orienterade "nyttans människor", och lägger därmed grunden för alla efterföljande begrepp om estetisk kreativitets och konsts elitism. A. Schopenhauers huvudverk är "Världen som vilja och representation."
Søren Kirkegaard (1813 - 1855) - dansk teolog, filosof och författare, nära i sin mentalitet romantikerna, en slags föregångare till 1900-talets existentialism. S. Kierkegaards tänkande och personlighet kännetecknas av en sammandrabbning av kontrasterande, oförenliga principer och livsförhållningssätt. Därav kärleken till paradoxen som är karakteristisk för S. Kierkegaard, önskan att betona oförsonligheten i olika typer av världsbilder. Huvuddefinitionen av en person enligt S. Kierkegaard är inte förnuft, utan existens (existens), och endast det tänkande som kommer från tillvaron och får näring av det kan vara äkta. Förknippad med detta är den djupa självreflektion som är inneboende i S. Kierkegaards estetik, som utforskar själens tragiska motsättningar och dess komplexa förhållande till omvärlden. S. Kirkegaard uttryckte sina åsikter i ett antal små essäer, bland annat "Antingen - Eller", "Rädsla och darrande", "Blink of an Eye", etc.
Senromantikerna inkluderar Friedrich Nietzsche (1844 - 1900). Samtidigt är det rättvist att kalla honom en förebådare för modernismens idéer. Detta är en begåvad tysk poet och klassisk filolog, en originell irrationalistisk filosof, vars åsikter bildades under visst inflytande av A. Schopenhauer. F. Nietzsche är grundaren av den nya livsfilosofin, som förvandlades filosofisk kunskap till en mängd olika lyriker och romaner. Den estetiska principen dominerar i F. Nietzsches åsikter så mycket att han helt förkastar traditionella moraliska värderingar och den mystiska stämningen som är karakteristisk för de tidiga romantikerna. Han utvecklar A. Schopenhauers begrepp om vilja till det vitalistiska begreppet "viljan att leva". Nietzsche utvecklade det ursprungliga konceptet om "övermänniskan" - en framtidsman, kreativt mäktig och vacker i helheten av andliga och fysiska livskrafter (med en övervägande av vitala-materiella motiv och intressen), som inte begränsas av traditionella normer och moral. , tapper och skoningslös mot de svaga, - som därigenom förebådar modernismens estetiska idéer. När han utforskade antiken, identifierade F. Nietzsche ytterligare principer i utvecklingen av kultur, som han betecknade som "dionysiska" och "apolloniska", och lyfte fram dem som grundläggande kategorier för systematisering och förklaring av kulturell mångfald. Dessa två sidor fann, enligt F. Nietzsche, manifestation i utvecklingen av all europeisk konst.
F. Nietzsche uttryckte sina idéer i verk skrivna i en originell litterär stil, inklusive "The Gay Science", "Så talade Zarathustra", "Beyond Good and Evil", etc.
Under inflytande av idéer från tyska romantiska filosofer som F. Schelling, A. Schopenhauer och E. Hartmann fick den ursprungliga ryske symbolistfilosofen V.S. Solovyova. Vladimir Sergeevich Solovyov (1853 - 1900) - inte bara en religiös filosof och teolog, utan en poet, publicist och litteraturkritiker. Grunden för V. S. Solovyovs världsbild är läran om absolut enhet, som han uppfattar som sfären av gudomlig, idealisk, värdig och riktig existens, med frihet, fullständighet av innehåll och mening och en perfekt uttrycksform. I V.S. Solovyovs läror är sanning, godhet och skönhet inte bara sida vid sida, utan organiskt sammankopplade. Konstens huvuduppgift är skapandet av absolut skönhet - förkroppsligandet av idealet, spiritualisering, transformation av materiella fenomen, vilket ger dem kvaliteten på evigt och odödligt genom att upprätta en symbolisk förbindelse med sfären av den ideala första ordningen av Sophia - den Guds visdom. Här sammanfaller den estetiska uppgiften med den religiösa, konstnärlig kreativitet blir teurgi, och konstnären blir en teurg - en mystisk skapare. Den ryske filosofen insisterar på den "fria syntesen" av konst och religion, på deras betydelse för att uppnå det "perfekta livet". De viktigaste verken av V.S. Solovyov som återspeglar estetiska teman är "Skönhet i naturen", "Konstens allmänna mening", "Det första steget till positiv estetik".
V. Solovjovs filosofiska symbolik är på sitt sätt kopplad till romantikens idéer; men det hänger också ihop med den symbolik som höll på att utvecklas under dessa år inom poesin och konsten i allmänhet, som blev ett av de preliminära motiven för modernismens estetiks framväxt.
Men romantiken är inte den enda betydande kreativa rörelse som bestämde konstens och konstnärliga kulturens ansikte under 1800-talet. Tillsammans med det utvecklades också realism. Ibland säger man att realismen har ersatt romantiken. Faktum är att realistiska trender i den estetiska världsbilden och konsten dök upp något senare än de romantiska - från cirka 30-40. 1800-talet. Men under hela den efterföljande perioden - ända fram till början av 1900-talet - samexisterade dessa riktningar. Ofta ses realismens metod som en opposition till den romantiska stilen, men därutöver förekom en slags dialogisk interaktion och ömsesidig berikning av dessa metoder.
Realism är en trend inom konst och estetik som främjade kunskap om verkligheten och dess sanna reflektion som det högsta värdet av konstnärlig verksamhet. Positivismens filosofi, som utvecklades på 1800-talet, visade sig vara en slags filosofisk parallell till konstnärlig och estetisk realism. I enlighet med hennes idéer är den högsta formen av medvetande vetenskap, inriktad på positiv kunskap baserad på fakta. Ideal, principer och modeller vetenskaplig kunskapöverfördes av positivister till den sociala och humanitära sfären (O. Comte, E. Durkheim) och till sfären för konststudiet (I. Ten). I sin tur framställer realismens ideologer det vetenskapliga kunskapsidealet som konstens ideal, och ser i konsten ytterligare möjligheter att förstå livets sanning. De ser direkt kunskap som konstens mål och skiljer den alltså inte på något sätt från vetenskapens mål. Konstnärlig kunskap om livets sanning är en direkt fortsättning på den vetenskapliga teorins sanning. Således noterade den ryska litteraturkritikern på 30-40-talet av 1800-talet V.G. Belinsky att vetenskapen känner igen livet i begrepp, medan konsten - i konstnärliga bilder. Konstens specificitet ligger bara i kunskapens former: den strävar efter att spegla livet, enligt N.G. Chernyshevsky, i själva livets former. Samtidigt är kognitiv generalisering, typifiering baserad på verklighetens fakta och ibland alltför grundlig efterlevnad av fakta de utmärkande kännetecknen för realismens konst.
De revolutionära sociopolitiska teorierna på den tiden hade också ett betydande inflytande på utformningen av realismens estetik. En av hans nyckelidéer är idén om konstens socialt transformativa uppdrag. Konsten ska inte stänga in sig i ett romantiskt ”elfenbenstorn”, ägna sig åt den inneboende förfiningen av föreställningsvärldens estetiska effekter, utan ska tjäna samhället, vara inblandad i social kamp, ​​kritiskt elektrifierad, revolutionär. Konstnärlig sanningsenlighet betyder också moralisk sanning, som samhället saknar; konsten uppmanas att aktivt transformativt leda till det. Detta engagemang av konst i det offentliga livet är en viktig aspekt av livets sanning som den romantiska konsten är orienterad mot.
Så realism i konst betyder en sanningsenlig, objektiv, heltäckande reflektion av verkligheten med hjälp av specifika medel som är inneboende olika typer konstnärlig kreativitet. Ett gemensamt drag för realismmetoden är tillförlitlighet i reproduktionen av verkligheten. Realism kännetecknas av en noggrann analys av livet, kunskap om de lagar som historiskt dominerar samhället, samt aktivt deltagande i själva livets rörelse framåt, i kampen mellan sanning och osanning, som utgör patoset för mänsklighetens historiska utveckling . Med fokus på den realistiska metodens kognitiva rigor, kallar konstkritiker den analytisk realism. Genom att betona den realistiska konstens livsviktigt aktiva, avslöjande ställning, karakteriseras denna metod som kritisk realism.
Den realistiska metoden yttrade sig främst i fiktion och särskilt i genren av romanen, som är mest kapabel att förmedla lasten av socialt och psykologiskt innehåll. 1800-talets största realistiska författare. - O. de Balzac, G. Flaubert, C. Dickens, L. Tolstoy, F. Dostoevsky och andra.
En annan typ av konst, som om den skapades av hela dess förmåga att uttrycka realistiska idéer, är måleriet. Här är realismens dominerande genrer landskap, porträtt och vardagsliv. Det är de som förutsätter beskrivande sanningsenlighet och öppnar utrymme när de hänvisar till skildringen av människors vardag. Mest lysande exempel realism i målning representerar verk av ryska "Peredvizhniki"-konstnärer, som var en del av den ryska demokratiska konstföreningen, Association of Travelling Art Exhibitions. Peredvizhniki var övertygade om att de var influerade av V.G Belinskys och N.G. Konstkritikern V.V. Stasov spelade en stor roll i bildandet av deras kreativa program. Det folkkonstprogram de lade fram kom till uttryck i skildringen av det sociala livets typiska aspekter och mångfacetterade karaktärer, främst allmogens liv, ofta med en kritisk läggning. Men de visar inte bara fattigdom, utan också skönhet folkliv, heroiska sidor av nationell historia (målningar av V. A. Surikov). Det är tydligen inte helt korrekt att kalla 1800-talets realism i alla dess yttringar kritisk, som konstkritiker från sovjettiden gjorde. Det vore mer korrekt att kalla det analytisk realism - realismen av objektiv kunskap och balanserad social-kontextuell estetisk bedömning.
Den realistiska orienteringen av den kreativa metoden påverkade avsevärt andra typer av konst - poesi, musik, teater, där många mästerverk av denna riktning skapades.
Dock några trender i utvecklingen av kultur och samhälle under 1800-talet. som om de slog ut marken under fötterna på den realistiska konsten: detta är fotografiets utveckling, som gjorde målningens bokstavliga realism onödig; detta är utvecklingen av journalistiken och masspressen, som kan reagera mer känsligt på sociala processer, reflektera dem mer sanningsenligt och passionerat än romanförfattarnas eftertänksamma och utdragna handlingar; Filmens intåg var precis runt hörnet. Ja, det var just dessa delar av den framväxande masskulturen som ledde till den realistiska konstens sammanbrott och kris, som förlorade handflatan på 1900-talet. andra riktningar. Realistiska motiv var dock inneboende i konstens utveckling under 1900-talet: detta är till exempel den så kallade "socialistiska realismen" - den officiella konstnärliga metoden som utropades på 1930-talet i Sovjetunionen, inom ramen för vilken inte endast mallillustrationer skapades för den tidens politiska ideologier, men också genuina realistiska mästerverk; detta och den europeiska filmens neorealism på 1950-talet.